All about The Hotknives
Ska legends The Hotknives were originally formed in 1982 by a group of friends interested in ska, dub, reggae and Northern Soul. They recorded two live albums, "Live at the boatman" and "Live and Skanking" before recording their first studio album, "The Way Things Are" in 1989.
Having reached the top of the 3rd Wave ska scene and been banned from Radio in the UK, the band decided to call it a day in 1993. In 1994 the band reformed, this time with Marc Carew of Long Tall Texans fame and Richard "Bosky" Allen from Too Many Crooks . The band started to regularly tour Europe with their infectious ska rhythms and memorable melodies.
In 1996 the band released their second studio album "Home" to rave reviews on the ska scene. In 2000 the band released their next studio album,"Screams, Dreams and Custard Creams" getting in the top 10 in the Zoom charts in Germany. In 2003 they had their most recent and dynamic line-up change to date with the addition of Stuart Brown on guitar and Marc Carew taking over on lead vocals. The band continued to build up their following in Europe, headlining both ska and rock festivals and are due to headline festivals in Germany and the Czech republic in the summer. Being described as influenced by The Clash, The Specials, The Cure and Madness as well as original 60s ska, the band are currently working on their fourth studio album to be released later this year.
The Hotknives have just returned from their first tour in Japan and would like to thank all their new mates there. What lovely lovely people you are.
VVK – Preis: 13,-€

Live Gig mit THE INCITERS – erstklassige Northern Soul-Band aus den USA danach warm-up nighter with Ska, Reggae & Soul DJs

DJs at the Reggae / Rocksteady Floor
Jim Cox (UK)
Jesse James(UK)
Steve Rice (UK)
Raph The Tough (CH)

DJs at the Soul Floor
Adam Torel (UK)
Lionel (FR)
Toni Tornado (DE)
Duke of Wörl (DE)
 
DJs:
JIM COX (UK) – aktiver DJ und Plattensammler seit 1969, DAS Urgestein der
Ska & early Reggae Szene. Zum erstenmal in Deutschland!
ADAM TOREL (UK) – enthusiastitscher Soul Sammler und DJ seitdem er 18 Jahre
alt war. Inzwischen zum gefeierten Soul-DJ rund um den Globus aufgestiegen
mit DJ spots in Tokyo, London, Kobe, New York, L.A., Gijon.....Hierzulande
bis jetzt noch ein Geheimtipp. Wir holen ihn zum erstenmal nach Deutschland.
JESSE JAMES (UK) – Engländer mit Jamaikanischer Abstammung der seit 1970 bei namenhaften Soundsystems (mobile Discotheken, vornehmlich der Jamaikanischen
Bevölkerung in UK) am Plattenteller bzw. Mikrofon arbeitet. Er wird nicht nur mit einer erlesenen Selection begeistern sondern dem Tanzvolk auch mit dem Mikrofon einheizen – eben ein echter DiscJockey in Jamaika-Manier. Auch er wird zume ersten Mal in Deutschland auflegen.
LIONEL (FR) – eine feste Grösse in Frankreichs Soul Community. Bekannt für seine raren und tanzbaren Schätze. Auch er gibt sein Debut in Hamburg.
STEVE RICE (UK) – Steve ist ein guter bekannter bei der Kings’n’Queens Veranstaltung und hat schon mehrfach mit seinen ausgesprochen gut ausgewählten sets die Tanzfläche bei uns zum brodeln gebracht. Er betreibt seit Jahrzehnten ein eigenes Soundsystem in Südengland und hat eine eigene Radio-Show.
MUSICAL FEVER CREW (UK) – diese Jungs muss man im Auge behalten, nicht nur dass sie in London den zur Zeit angesagtesten Ska, Rock Steady & Reggae Nighter veranstalten – sie verwandeln dabei auch die betagtesten Besucher in herumwirbelnde Tänzer (in England wird diese Art von Veranstaltung von Leuten zwsichen 20 – 50 Jahre+ besucht).
TONI TORNADO (D) – ein echter Hamburger Jung und über die Stadtgrenzen hinaus bekannt für seine hervorragenden Soul & RnB sets.
RAPH the TOUGH (CH) – kommt aus der Schweiz und bringt uns mal wieder einen Koffer voller Rock Steady und Boss Reggae Perlen mit. Immer eine Freude ihn mit an Bord zu haben!
DUKE of WÖRL (D) – aus der Hansestadt Bremen kommt er um uns mit seinen Soul Perlen zu beglücken.
DAVE the STOMP (UK/D) – Northern Soulie seit den 70ern – wird er mit einem perfekten Tanz-Set aufwarten.

resident DJs:
Commander K
Alex Copasetic

10 VVK

Fällt der Name „Smokestack Lightnin“ gehen nicht nur bei engen Kumpels wie Olli „Ditsche“ Dittrich oder den Berliner Chartstürmern „The Boss Hoss“ die Daumen nach oben, sondern auch bei zahllosen Rock n Roll, Country und Rockabilly Fans aus der ganzen Welt. Die 4 Herrn aus Nürnberg befeuern das immer glühende Fegefeuer des klassischen Rock n Roll nun schon seit über 13 Jahren und haben dabei kaum eine Live-Bühne ausgelassen. Mit der Single „Unknown Stuntman“, einer Neuinterpretation der Titelmelodie aus der legendären Serie „Ein Colt für alle Fälle“ gelang dann endlich, mit Hilfe einer TV Werbung für Honda der Durchbruch. Mit der Kölner Plattenfirma EMI konnte ein verlässlicher Partner gewonnen werden und die Single ging sofort in die deutschen Top 100 wo sie sich satte 4 Wochen hielt. Im Frühjahr 2008 erschien nun das langerwartete neue Album auf dem Frankfurter Kult-Label HAZELWOOD!

THE KNOCKOUTS is something rare; highly addictive songs that fuse rockabilly technique with the unstoppable force and heart of cocky punk rock, in a unique way that we've never heard before.
Johan Frandsen (lead vocals/guitar), Ted Jergelind (drums) and Ken Stone (upright bass) creates the missing link between the Stray cats and Green Day - incredible musicians, astonishing songwriting, good looks & extraordinary live performances!
The singer, guitarist & frontman Johan Frandsen, also played with world famous rockabilly band The GO GETTERS. His guitar playing gave them an extra injection of energy in over 300 gigs world wide. Head lining the well known Viva Las Vegas Rockabilly Weekender, playing with members of the Stray Cats, Guana Batz, Mad Sin and more, are just a few things worth mentioning.
Endorsement deals from Jam Music and Peerless Guitars sees a trademark white guitar appear on stage and during the summer of 2009 THE KNOCKOUTS have been on the festival bill with SOCIAL DISTORTION, THE LIVING END among others and have played sold-out shows all around Europe. And that´s not all, they supported THE LIVING END on their first Scandinavian Tour for the Raise the Alarm World Tour – in Stockholm Sweden.The band is screaming headlong into multiple high energy gigs with their 2010 tour scheudle including Scandinavia, Europe and USA.
“… The album AMONG THE VULTURES (release date 27th of November in Scandinavia and 5th of March - rest of Europe) won't leave lovers of quality rock unmoved. It is just so tight, intense, messy, expressive, powerful, explosive…”
/Nya Skivor.se 2009 (Rated 4/5)
The KNOCKOUTS will be setting up the boxing ring and looking to see you soon. The rockabilly roots and cocky punkrock attitude just keep heating up into a slick, fat sound that will ensure these guys become massive....
Watch out, these boys play it HARD and play it LOUD: So prepare to be Knocked Out!
 

Wandelbar UND unverwechselbar: In jedem Land begrüßt Sänger Tom Lugo die Fans in ihrer eigenen Sprache. Menschen mit Musik anzusprechen, ihnen ein Stück gute Laune und Groove mit nach Hause zu geben, ist das zentrale Anliegen von Jamaram.
Diese international aufgestellte Band aus München, begeistert seit ihrer Gründung im Jahre 2000 immer mehr Menschen. Ihre bis dato drei Alben SHOUT IT FROM THE ROOFTOPS (Release April 2008 , OOKUCHAKA (2006) und KALAHASSI (2004), bieten eine musikalische Vielfalt, die nicht viele Bands ihr Eigen nennen dürfen oder können.
Sei es in Europa, ausgezeichnet mit dem „Austrian Newcomer Award“ und dem „Creole Weltmusik Preis 2007“ oder live vertreten auf namhaften Festivals, wie z.B. dem Rototom Sunsplash in Italien oder dem Super Bock Surf Festival in Portugal, wie auch fernab unseres Kontinents. Bis nach Uganda ging es schon, wo Jamaram viele Shows gespielt und Workshops veranstaltet hat. Das Ganze hatte auch Einfluss auf die musikalische Produktion des neuen Album JAMELEON und ist dementsprechend deutlich heraus zu hören.
Die gesammelten Eindrücke von unterwegs spiegeln sich in den neuen Tunes wieder. Satter Reggae, fette Hip-Hop- und Dancehallbeats, Latino-Gewitter, Afrobeat und feine Popsongs werden auf dem bis dato ausgereiftesten Studiowerk der Band präsentiert.?So wandelbar wie die musikalischen Stilrichtungen, so unverwechselbar ist der Style von Jamaram.
Nein, Jamaram kennt keine Grenzen. Brachte sie doch die sympathische Art und herzliche Message ihrer Musik, um den ganzen Globus. „Unsere Musik ist handgemacht“, sind sich alle Bandmitglieder einig. „Sie funktioniert zu dritt in der Fußgängerzone oder zu acht auf der Bühne. Und das sicherlich in jeder Region auf der Erde. Unsere Sprache ist universell und wird überall verstanden und positiv angenommen. Dies ist eine unglaublich schöne Erfahrung für uns als Band.“
Überhaupt liegt Jamaram soziales Engagement sehr am Herzen. In den letzten Jahren wurde auf Konzerten weit über 7000 Euro an Spendengeldern gesammelt, um in Kooperation mit der Hilfsorganisation GO!Ahead, eine Vorschule für AIDS- Waisenkinder in Gauteng/Südafrika unterstützen zu können. Und eins ist sicher: Das wird nicht das letzte caritative Projekt bleiben. Diverses mehr ist schon in Planung für 2010. Man kann also sehen – Jamaram ist keine Band, Jamaram ist ein Movement!

Die talentierte Münchnerin Sara Lugo fasziniert ihre Zuhörer durch ihre prägnante, einzigartige Stimme und überrascht mit ihrem powervollen und souligen Gesang. Ihre Musik ist ein Überraschungspaket, das sich aus Reggae und einer ganzen Menge Soul und ein bisschen R'n'B zusammensetzt. Ihre Leidenschaft für Musik hat die 21-jährige Sängerin durch ihre musikalische Familie in die Wiege gelegt bekommen. Momentan arbeitet Sara Lugo mit Umberto Echo an ihrem Debut-Album, das voraussichtlich Mitte 2010 veröffentlicht wird. Auf dem Album werden unter anderem Künstler wie Jahcoustix, Newcomer Naptali aus Jamaica und Instrumentals von Oneness zu hören sein.
 

Gemeinsam mit den Fans sammelten die Killerpilze 250.000 Euro für die Aktion „Punk macht Schule“. Mit dem Geld wurde ein kompletter Schulkomplex in Äthiopien gebaut. Ab diesem Jahr sind die Drei in dem Projekt „Generation Abc 2015“ engagiert. welches das Ziel hat, allen äthiopischen Kindern und Jugendlichen bis zum Jahr 2015 eine Schulausbildung zu garantieren und rocken bei „Kein Bock auf Nazis“ gegen Rechtsextremismus. Jetzt liegt aber erstmal die volle Konzentration auf dem neuen Album. „Auf unsere neuen Songs können wir wirklich stolz sein. Das sagt natürlich jeder Musiker, aber dieses Album ist unser direktestes und live werden wir das beweisen. Ich müsste mich schon sehr täuschen, wenn unsere Fans anderer Meinung sind,“ freut sich Jo über das Ergebnis der
Aufnahmen. Ob Jo mit seiner Einschätzung richtig liegt, davon können sich die Fans ab dem 26.03.2010 selbst überzeugen. Dann gehen die Killerpilze endlich auf den ersten Teil ihrer großen LAUTOBAHN-Tour: „Wir werden uns mit der neuen Platte den Arsch abspielen und durch ganz Europa touren. Die Fans können sich auf geile Party-Abende freuen,“ verspricht Fabian. Pogo,
Party, autonom, die Killerpilze sind bereit für den nächsten Schritt ihrer Karriere!

Die vierköpfige Band AMPLIFY, bestehend aus Timothy Spaniel (Gesang/Gitarre-23), Dominik Köhl (Gesang/Schlagzeug-21) und den Brüdern Marlon (Bass/Gesang-23) und Robin Kube (Gitarre/Gesang-19) aus Hittfeld (bei Hamburg), sind nun schon seit gut 4 ½ Jahren unterwegs.
Auf ihrem Weg spielten sie ca. 250 Konzerte in ganz Deutschland und sogar in England und der USA, teilweise zusammen mit Bands wie The Sweet, Fury In The Slaughterhouse, Itchy Poopzkid, Revolverheld, Jennifer Rostock, Panik u.v.m. ,
gründeten ihr eigenes Label „Crashkid Records“, veröffentlichten in Zusammenarbeit mit dem Label des „Die Ärzte“ Bassisten Rodrigo Gonzalez zwei englischsprachige Alben und erregten Aufsehen mit mehreren Ausstrahlungen auf RTL um die Halbfinal-Show „Das Supertalent 2008“.
Momentan arbeiten die vier an einem deutschen Programm für ein drittes Album. Bei AMPLIFY ähnelt kein Auftritt dem nächsten und man weiß nie, was alles passiert.

Von verrückter Bühnenshow zu aufwendigen Publikumsaktionen, wo wirklich jeder Gast Teil des Konzertes wird.
 

30 Jahre BIERSPIELER
Hamburg, irgendwo am Berliner Tor. Zwischen Karlsquelldosen und alten Sesseln. An den Wänden ausgemusterte Teppiche. Vereinzelt Eierkartons. Graffiti. Im feuchten Nebenraum ein alter Flipper. Hier entstanden 1980 die ersten Stücke der BIERSPIELER. Inspiriert von britischen Bands wie Generation X, Buzzcocks, Magazine sowie den Stranglers. Immer mit einem eigenen, ohrwurm-trächtigen Sound und ausgeprägtem Gesang. Post Punk und Punk Rock der 80’er Jahre prägten den Sound.
Zwischenzeitlich formierte sich aus den Bierspielern die Band „Noise Annoys“, die ausgiebige Touren (u. a. mit den Dickies und Bad Religion) durch Europa machte. Weitere Formationen waren bis ins Jahr 2000 Bands wie „Surcharge“, „C3I“, „Square the Circle“ sowie „Don’t“. Seit 2002 spielen die BIERSPIELER wieder in der ursprünglichen Besetzung.
Hamburg, 2010. Zum 30. Jubiläum präsentieren die BIERSPIELER nun ihre 2. CD mit aktuellen Stücken im unbedingt hörfähigen Format. Eine Mischung aus schnellem, eckigem Pop Punk mit melodischem Gesang. Breiter Sound. Tanzbar. Aber auch Ska und New Wave Einflüsse wurde verarbeitet.

Nach einem schnell ausverkauften Konzert im November in Hamburg, versprach Klaws allen Fans, die vor der Tür standen und nicht mehr reinkamen eine zeitnahe Wiederholung. Am 10. April 2010 präsentiert Alexander Klaws nun in Kooperation mit dem alsterradio 106!8, im KNUST/Hamburg sein deutschsprachiges Album, sowie eine Auswahl seiner englischen Songs.
Unterstützt wird er dabei von Birgid Jansen, Katharina Vogel, Stefan Endrigkeit, Fabian Schubert, Jens Carstens und Kay Holland - alles erstklassige Musiker aus der Hamburger Musikszene.
Als Support spielt die Hamburger Band „DayDream Illusion“ modernen Pop-Rock.
 

Formed in 2005, Toronto’s Dance Yourself to Death had only played a handful of gigs before a copy of their independent EP found its way into the hands of knighted larger-than-life pop icon Elton John. Sir Elton was taken by the band’s addictive hooks and heart-tugging melodies, which seamlessly fuse elements of ‘70s rock, ‘80s synth-pop and ‘90s dance music. He cast DYTD to play in the prom scene of It’s A Boy Girl Thing, the film he was producing, and included one of their original songs on the film’s soundtrack. DYTD went on to license songs to several other films, and watched their fan base grow as tracks from the DIY EP landed on a number of independent radio station charts and positive reviews poured in. DYTD have shared stages with everyone from Canadian critics’ faves Mother Mother and the Hidden Cameras to international stars like Peaches, Uh Huh Her and the Indigo Girls and played their first European show in Munich, Germany,
where they drew a crowd of 1500 people. Noted electronic artist JD Samson (Le Tigre, MEN) was eager to work with DYTD, and delivered a remix of their original song “Sea of Love”.
When DYTD headed into the studio in the spring of 2008, they had three years’ worth of songs to choose from. The band members acted as producers, working with co-producer and engineer Lorne Hounsell (K-OS, Bedouin Soundclash) to create their full-length debut, Ready For Love. They drew inspiration from artists
who spanned several musical eras, from Fleetwood Mac to the Cars, to New Young Pony Club, creating a sound that’s hook-laden, highly addictive, and ready for repeat rotation on your stereo. The final product is an instantly accessible record that will keep you holding on tight to your first kiss, your worst heartache, and all your forgotten love letters.

Das Londoner Duo TURIN BRAKES besinnt sich auf seine Wurzeln! Die Nullerjahre begannen 2001 für den Gitarrenpop mit ruhigen Tönen. "Quiet is the new loud" hieß der Slogan, und die TURIN BRAKES gehörten zu den Bands der Stunde. Ihr Debütalbum "The Optimist LP" wurde sogar für den begehrten Mercury Music Prize nominiert. Seitdem haben Olly Knights und Gale Paridjanian ihren Sound stets weiterentwickelt und spätestens auf ihrem 2007er-Album "Dark On Fire" verwandelten sich die zwei akustischen Troubadoure in eine veritable Softrockband.
Am 26. Februar erscheint endlich das neue Album "Outbursts" und mit Ihrem neuen Werk heißt es für TURIN BRAKES zurück zu den eigenen Wurzeln. Die beiden haben ihre alte Arbeitsweise wiederentdeckt, spielten alle Songs zu zweit ein. Befreit vom Druck einer großen Plattenfirma klammern TURIN BRAKES sich nicht an den Erfolg ihres Debüts, sondern entwickeln eine ganz neue, eigene Art der Magie. Bereits der Opener und Single-Track "Sea Change" beweist trotz seines apokalyptischen Inhalts die Akustikpop-Qualitäten von TURIN BRAKES, das sich zu Gitarren, Streichern und Klavier in majestätische Höhen spielt. Im April kommt das Londoner Duo für fünf Konzerte zurück nach Deutschland. Der Vorverkauf hat bereits begonnen

EUR 16,00 zzgl. Gebühren

Sie haben Post. „Ohrenpost“. Ein gesendetes Objekt, das in jeden guten musikalischen Posteingang gehört – gerne aber auch in den physischen Briefkasten. Absender: Jasper März, der junge Mann, der mit acht Millionen Klicks bei YouTube und 28.000 Kommentaren zu seinen Songs eine neue Singer/ Songwriter-Lust in der Online-Welt angestiftet hat. Knapp ein Jahr nach seinem Chart-Debu?t mit dem Album „Neidlos“ liegt jetzt mit „Ohrenpost“ sein zweites Album vor. Ein
relativ dichter Zeitraum, den der in Emden lebende Musiker unter anderem mit zwei erfolgreichen Clubtouren, weiteren außergewöhnlichen Gigs (z. B. auf dem JugendMedienEvent in Mainz vor 500 Nachwuchs-Journalisten) und dem Schreiben neuer Titel verbracht hat. Erwartungen an ein zweites Album sind erfahrungsgemäß groß. „Bei meinem ersten Album war den Zuhörern ein Großteil der Lieder bereits von den YouTube-Videos bekannt“, sagt Jasper, „jetzt freue ich
mich sehr darauf durch die ,Ohrenpost‘ die Leute mit vielen
neuen und noch nicht bekannten Stu?cken zu u?berraschen.“
Mit Jasper und seinen Liedern hat auch der Musikfan die
Chance mal wieder an einem Reifeprozess teilzuhaben, der
sich zur Abwechslung so erstaunlich gesund und stimmig
anfu?hlt. Durch den ein Ku?nstler sich findet und Raum, Zeit
und Möglichkeit hat, Schritt fu?r Schritt den eigenen Weg zu
gehen.
Am Anfang dieses Wegs stand die Geschichte, besser gesagt:
Viele Geschichten. Beobachtungen, Alltagsminiaturen.
„Mit 15 habe ich ausprobiert eigene Gedichte und
Kurztexte musikalisch mit der Gitarre umzusetzen. Das war
quasi meine erste Beru?hrung mit dem Songwriting“, erinnert
sich Jasper. „Heute mache ich Komposition und Text am
liebsten aus einem Guss. Wenn das gelingt, entstehen die
besten Lieder.“ Lieder, die auf dem Album „Ohrenpost“ Titel
tragen wie „So lala“, „Letzter Tag am Strand“, „Hätte ich“
oder „Gewittertierchen“. Nach der Zusammenstellung der
Albumtitel war ich mir erstmal unsicher, ob die sprachlich,
inhaltlich und musikalisch doch recht unterschiedlichen
Lieder unter einen Hut passen. Aber da gerade die Vielfalt
an Themen und sprachlichem Ausdruck das Liederschreiben
fu?r mich so reizvoll macht, spiegelt das Album genau das
wider, was meine Musik kennzeichnet. Und es passt tatsächlich
zusammen.“ Der Albumtitel ‚Ohrenpost’ greift den
Gedanken auf: „Hier hat jedes Lied eine andere Aussage,
eine andere Schriftart und ein anderes Briefpapier. Aber der
Absender bin immer ich.“ Dann gibt es also auch keine klar
definierte Jasper-Zielgruppe? Zumindest keine, die einengt.
Jasper März ist Freigeist genug um fu?r viele interessant und
außergewöhnlich zu sein, und er ist geerdet und aufmerksam
genug um ein großes Publikum anzusprechen.

Without wishing to tempt fate, Eagle Seagull have gracefully swooped into the category of buzz bands, ones to watch, emerging new talent, call it what you will. Fortunately, the hype is backed up by a more than promising eponymous debut album (in 2006) and a rip-roaring sequel, due for imminent release, emboldened by several years of solid touring, which is never, ever a bad thing in helping to define a band’s DNA. Particularly when their sparring partners on the circuit included such different combos as The B-52s, Gnarls Barkley and Tokyo Police Club. A learning curve as exhilarating as a ski slope.
2010 sees the release of what is traditionally the difficult sophomore album, but, lo and behold, “The Year of the How-To Book” is awash with jangling melody and serene strings without sacrificing any of the energy of its predecessor.

In a world that has become so referential (it sounds like A plus B in a blender with a pinch of acid) and the long tail leading us ever downward to venn diagrams of the like-minded (if you bought that, you’ll probably fork out for this), it becomes harder than ever to happen upon a sound that comes out of nowhere. So where are Eagle Seagull coming from?
The Amazonians claim that if you like Spoon (never heard them) or Bowie (heard everything until Tin Machine) you’ll like this. Names like The Cure and Pulp keep popping up, and not without reason, hinting at Anglophile tendencies within the ranks. “I’m Sorry But I’m Beginning To Hate Your Face” is a jaunty reminder of Robert Smith on a good day, “The Boy With A Serpent In His Heart” evokes the steely Sheffield beginnings of Pulp when Jarvis sounded panicked rather than a pop parodist.

Der Schlüssel zu GOLDHEART ASSEMBLY könnte sein, dass sie in erster Linie Musikliebhaber und erst in zweiter Linie Möchtegern-Rockstars sind. Das heißt, dass sie auf Liveshows gern verspielt und auf Krawall gebürstet daherkommen, während sich im Studio eine fast schon beängstigend disziplinierte Seite zeigt, die akribisch auf den Schlagzeugsound achtet, den Melodien nachspürt…all die kleinen, fast unsichtbaren Dinge, über die sich der leidenschaftliche Musiker Gedanken macht. Übersetzt bedeutet das, dass Songs wie „Hope Hung High“, „The Last Decade“ und die Vorabsingle „King Of Rome“ episch klingen, ohne aufgeblasen zu wirken, poppig ohne trashig zu sein und unheimlich cool, ohne sich auch nur die geringste Mühe zu geben. Nicht umsonst beobachtete Steve Lamacq vom BBC Radio: „Sie schnappen sich einen fröhlichen, akustischen, bärtigen Batzen von Ideen und spielen damit herum wie die Katze mit dem Wollknäuel.“

Am Ende steht eine zeitlos klingende und doch extrem modern Rockplatte, die den Charme der Band und ihre überbordenden Harmonien mit einem spitzbübischen Sinn für Lärm vermengt und im nächsten Moment wieder mit Refrains verführt, zu denen man einfach sein Feuerzeug in die Luft halten muss. Der Liebling von Fierce Panda ist die bewundernswerte Munterkeit von „Under The Waterway“, aber noch vor Ostern wirst auch du deinen persönlichen Liebling benennen können.

„Die Art, wie GOLDHEART ASSEMBLY einen Refrain schreiben, der sich um Mitternacht auf der Pyramid Stage des Glastonbury Festivals äußerst gut ausnehmen würde, legt den Gedanken nahe, dass dies eine Band ist, von der wir noch Einiges hören werden.“ – Martin Robinson, NME

 

Genug gejammert! Bernd Begemann & Die Befreiung schenken der Welt ein musikalisches Konjunkturpaket. „Ich erkläre diese Krise für beendet“ lässt Begemann uns wissen und zeigt sich geradezu verschwenderisch mit großen Gefühlen, wunderschönen Melodien und schonungslosen Betrachtungen!
Und dabei zeigt sich, warum der Hamburger seit Jahren unerreichter Meister seines eigenen Genres ist: Er erzählt von Sehnsucht und Schmerz und berührt kein einziges Klischee, er lässt Chöre singen und Glockenspiele klingeln und versinkt nicht ansatzweise im Kitsch, er textet sinnige Zeitgeist-Kommentare und gefühlvolle Lyrik und wirkt nie affig. Daneben erscheint das allermeiste an deutscher Popmusik schlicht wie abgeschmacktes Kunsthandwerk oder billige Konfektionsware.
„Ich erkläre diese Krise für beendet“ hingegen ist Pop für erwachsene Menschen, die sich endlich wieder wie Teenager-Musik-Fans fühlen wollen - und für Teenager, die endlich ernst genommen werden wollen. Denn Bernd Begemann & die Befreiung halten auf diesem Album ein paar echte Entdeckungen für uns bereit. Es geht um romantische Abenteuerlust, rebellische Energie und die Realität von Familienglück.
Musikalisch zielen Bernd, Ben, Achim und Kay dabei stilsicher aufs kollektive popmusikalische Gedächtnis: 60s Beat, Rare Groove, Rotzrock, Musical-Harmonien, Songwriter-Tradition und Schlager-Chöre ... und dann noch den einen oder anderen neuen Trick.
Ist dieses Album zu funky fürs Feuilleton, zu schlau für den Mainstream und zu GENIESSBAR für den nächsten Hype? Vielleicht, aber genau das macht es zu einem wirklich großen Album. Eines, das elegant über den Kopf ins Herz rutscht und dort für immer bleiben wird!
Und vielleicht, nur vielleicht, ist „Ich erkläre diese Krise für beendet“ genau das Signal, nach dem die Pop-Nation sich heimlich gesehnt hat.
 

Nicht wenige Fans und Kritiker waren todtraurig als sich die schottischen AEREOGRAMME 2007 auf dem Höhepunkt ihres zehnjährigen Schaffens einfach aufgelöst haben. All jene dürfen sich nun freuen, denn die beiden Köpfe hinter Aereogramme, Craig B und Iain Cook, melden sich nun mit ihrem neuen Projekt THE UNWINDIND HOURS eindrucksvoll wieder.
Und das gerade erschienene selbstbetitelte Debütalbum zeigt: man macht dort weiter, wo man vor drei Jahren aufgehört hat. Das Werk ist eine lohnende, intensive Erfahrung mit unverwechselbarer Atmosphäre und kraftvollem Songwriting. Craig und Iain erfüllen darauf fast mühelos ihre musikalischen Ambitionen und Kreativität in so einer Bandbreite, die einen fasziniert mitgerissenen Hörer fast atemlos hinterlassen.
Schon der Opener „Knut“ kündigt ein ganz großes Album an: der längste Track des Albums ist eine wunderschöne, elegante und akustisch opulente Etüde zwischen vielschichtigen Sounds und vorantreibender Dynamik. „Tightrope“ ist eine elegische, herzzereißende Balade,  „There Are Worse things Than Being Alone“ stellt süßlich klingende Elemente wie akustische Gitarre, Klavier und Streicher neben äußerst beunruhigenden Noise-Texturen. Das Hauptthema, das sich durch das Album zieht, sind menschliche Beziehungen: manche enden, manche beginnen, manche gehen gut aus und manche sehr sehr schlecht aus.
Gemessen an den Maßstäben, die sie mit Aereogramme aufgestellt haben, ist The Unwinding Hours ein weiterführendes Meisterwerk: gewaltig, episch, schimmernd schön mit vielen scharfen Ecken und Kanten und einen unfassbaren Sinn für die allgegenwärtig kriechende Furcht vor unserer Endlichkeit.
Und das Album kommt auch bei den Kritikern extrem gut an. „Visions“ macht die Platte zu ihrem „Album des Monats“ im März, das Prog-Rock-Blatt „Eclipsed“ spricht vom „ersten Highlight des jungen Jahres“ und der „Spiegel“ adelt The Unwinding Hours als „geräuschvollen Bruder von Savoy Grand“.

Das Debutalbumvon We Were Promised Jetpacks “These Four Walls” (Fat Cat/PIAS/Rough Trade) ist im Juni 2009 erschienen und erntet seither berauschende Kritiken. Auf dem Album entlädt sich die jugendliche Energie der Band aus Schottland (Durschnittsalter 21 Jahre) donnernd in gewaltigen, unermüdlichen Refrains. Atmosphärische Gitarrenwände, spannungsaufbauende Melodiebögen und ein einprägsamer Glasgow-Akzent. Noch bevor die erste Single veröffentlicht wurde, ernteten die Jetpacks jede Menge Vorschussloorbeeren, die erahnen liessen, welch großartiges Talent sich hinter den vier bescheidenen Schotten verbirgt.
Mittlerweile haben sich u.a. der NME, das Q magazine und “New Talent Guru” Zane Lowe vom Sender BBC vor der Band verneigt. Auftritte bei der SXSW, The Great Escape und Support Shows mit Bands wie Glasvegas, The Twilight Sad und Frightened Rabbit führten letztendlich dazu, dass We Were Promised Jetpacks im September 2009 auch den Sprung aufs Europäische Festland wagten. Die erste Tournee in Deutschland war restlos ausverkauft, seither ist die Band auch bei uns in aller Munde.
 

Goethes „Faust“ ist ein grandioses Werk, Goethes „Faust“ ist aber leider oft auch missverstanden worden. Wie grölte doch der Zecher dort in Auerbachs Keller? „Ein garstig Lied! Pfui! Ein politisch Lied!“ Die trunkene Dummheit wurde zum geflügelten Wort und hält sich bis in unsere Tage, auch wenn vor etwa 30 Jahren ein paar Liedermacher mal erfolgreich das Gegenteil behaupteten und es sogar bis zur treuen Gefolgschaft brachten.

Das politische Lied ist halt eine zarte Pflanze, die des Nährbodens bedarf. Auch deshalb ist seine Zeit jetzt, da Bürger zu Objekten der Gier von Spekulanten werden, die Klimaerwärmung unsere Meeresspiegel steigen lässt und die Politik dem Einzelnen immer weniger Schutz bietet, wohl wieder einmal gekommen. Zeit also für Musiker, etwas „dagegen“ zu unternehmen, natürlich mit jenem Mittel, welches er am besten beherrscht: Musik machen und singen.

Als jetzt in Hamburg das historische, von Künstlern bevölkerte Gängeviertel zum Spielball der Spekulanten zu werden drohte, da schrieb der Hamburger Siebeth sich mit einem Song die Wut aus dem Bauch. „Auch wenn der Song nicht nur vom Gängeviertel handelt“, sagt Siebeth, „so ist er doch für mich inzwischen zum Synonym dafür geworden, dass man etwas bewegen kann, wenn man nur will.“ Und so erheben nun Siebeth und die Kollegen Neil Hickethier, Christian Venus, Lesley & Björn Maass (Der Fall Böse), Tadday, Catharina Boutari, Duncan Townsend, Katrin Wulff, Marten (One Fine Day), Chris Buseck, Michael Zlanabitnig (The Life Between), Martin Kilger, Marcel Blunk (Balboa Inn), Herr Olsen, Crille, Tim Willig und Martin Schroeder ihre Stimmen in „Komm in die Gänge“ zum Statement. „Das Projekt“, so Siebeth, „ist beeinflusst durch viele Strömungen und Organisationen, die einfach keine Lust mehr hatten, alles mitzumachen oder so zu lassen, wie es ist. Daraus entstand die Idee, mit unseren Mitteln etwas zu tun – St. Pauli United waren geboren.“

Bei aller Botschaft: „Komm in die Gänge“ ist nicht bloß nebenbei auch ein prima Popsong geworden, der sich über Hamburgs Grenzen hinaus zur Hymne mausern könnte.

Das Lied wird über die gängigen Internet-Formate (MySpace, YouTube etc.) verbreitet, ist zunächst gegen eine freiwillige Spende zugunsten von „Viva con Agua“ als Download erhältlich und bekommt eine eigene Homepage. Ein Video ist schon online und ein Making-Of wird folgen. Und was außerdem vermutet werden darf: Das Beispiel wird Schule machen. Gut so.
 

Brighton hat Marina zu bieten. Ein groteskes Hafengelände ist das, wo schwitzige Südengländer ihre roten Köpfe mit Stout herunter kühlen und geschwätzige Touristen die Essenz der Grafschaft East Sussex zu erkennen glauben. Die Wahrheit trifft hier auf den Schein, so dass der zynische mediale Zeitgeist seine Katie Price herausfischen kann. (Nach deren Flucht in den Dschungel und der einhergehenden Offenbarung vor einer unersättlichen Öffentlichkeit kommt sie irgendwann in der Selbstaufgabe an und hat dadurch mit der gesegneten Band The Miserable Rich mehr gemein, als es die Oberfläche preisgibt; doch ist das eine andere Geschichte).

Die Geschichte von The Miserable Rich, der Band aus Brighton:

Aufgewachsen an der unfreundlichen Küste Brightons, erzogen von schwitzigen Südengländern, verfolgt von geschwätzigen Touristen: Die Flucht von James de Malplaquet ist konsequent und mündete zu Recht in einem Lehrauftrag für Sound-Design. Die Flucht aus der Inhaltslosigkeit mit phonetischen Mitteln. Längst wurde der erste Auftritt des Duos William Calderbank / James de Malplaquet vor den reichen Gästen einer römischen Hochzeit zur Legende, die Namensfindung zum Schicksalsschlag. THE MISERABLE RICH waren geboren und die popmusikalische Antwort auf Tim Burtons bewegte Bilder auf "Twelve Ways To Count" (Hazelwood Vinyl Plastics 2008) erstmals eingefangen. Informierte Menschen nannten dies einst Chamber-Pop, bis sie feststellten, dass dieser Gürtel viel zu fest geschnallt war. Das süßliche "Covers" folgte, eine Verifizierung des Gebotenen: Vier Coverversionen, von den Stranglers und Eurythmics, von Iggy Pop und den Pixies. Gepriesene Devotionalien audiophiler Freaks.

Nun formt sich der Ausbruch des Quintetts aus den Gegebenheiten zur definitiven Aussage: "Of Flight And Fury" heißt das Statement.

Es bündelt all die Ängste und aufreibenden melancholischen Gedanken britischer Getriebener, die die krude Widersprüchlichkeit der Hafenstadt Brighton in indignierter und betroffener Euphonie wiederspiegelt. "Of Flight And Fury" ist eine Reise in das Wesen der Menschlichkeit: Zurechtfinden mit den Tatsachen. Ungeschönt. Bitter. Traumatisch. Glanzvoll.
Die harten Fakten:
Nach endlosen Touren (u.a. auch gemeinsam mit Isobel Campbell & Mark Lanegan) legte die Band an Gewicht zu: Beim renommierten Orange Blossom Special verkaufte das Quintett binnen weniger Minuten hunderte (!) Tonträger und sicherte sich damit den Festival-Rekord. Die "Spex"-Leserschaft liebt die Band und würdigte sie entsprechend in den Lesercharts des Jahres 2008 (Das Album "Twelve Ways To Count" landete auf Platz 50, die Single "Pisshead" auf Platz 22). Über die ausverkauften 200er-Locations bei der letzten Headliner-Tour wunderte sich die Band mehr als das Publikum.
 

Baby Universal entstanden wa?hrend eines Roadtrips zwischen New York und San Fransisco. Inspiriert von der endlosen Weite der Highways und den blinkenden Motel-Leuchtereklamen der USA, kreierten die Fu?nf ihren unverkennbaren Sound. Von dort aus ging es nach London, wo die Band in all den kleinen dreckigen Clubs der grandiosen britischen Rock 'n' Roll Szene ihre Songs zum Besten gab. Und beim Publikum einen bleibenden Eindruck hinterließ.
Back to the roots
Doch trotz all ihrer internationalen Erfahrung und Bu?hnenpra?senz fu?hlen sich Baby Universal in Berlin zu Hause. Baby Universal sind echte Ma?nner und keine Jungs. Eine gewachsene Band, die diese Bezeichnung wirklich noch verdient. Sie leben einen Rock 'n' Roll, der an Rocky Horror und The Bad Seeds sowie Passagen von den Doors erinnert. Die Songs von Baby Universal erza?hlen ihre eigenen Geschichten: wild und ungestu?m, voller Hochs und Tiefs, za?rtlich, romantisch und rau. Gepra?gt von ungeba?ndigter Energie und Poesie entwickelt sich ihre Musik zu einem ganz eigenen Soundtrack - leidenschaftlich und unvergesslich.

Das von Philipp Kacza und Michael Leuschner in 2005 gegründete Jazz Orchester gehört zu Hamburgs besten Geheimtips in der Musikszene. Nirgends sonst kommen Hamburgs beste Jazzmusiker zusammen und zelebrieren ihre Kunst in einem orchestralen Kontext.
Das 17 Mann starke Ensemble verneigt sich vor der amerikanischen Big Band Avantgarde der 50er und 60er Jahre ebenso wie vor modernen Kompositionen europäischen Ursprungs. Besonders seien die Kompositionen der Bandmitglieder Sebastian Hoffmann und Torsten Maaß hervorgehoben. Präzises Ensemblespiel und inspirierte Soli machen diese Band zu einem Hörerlebnis 1. Klasse.

 

20:00 Black Forest Disco Art Project
20:30 Banana Killers
21:00 The Janitors
21:30 A Bitch Called Hope
22:00 Lofft
22:30 Almost Friday
23:00 tba
23.30 tba

20:00 tba
20:30 Black Sheep Results
21:00 Pitchkick
21:30 tba
22:00 Attic Cell
22:30 Underbase
23.00 tba
23:30 Nowhere Fast
24.00 Sp. Guest: DK

20:00 tba
20:30 Dick Svensson
21:00 Dezibel 45
21:30 tba
22:00 Virtual Moon
22:30 tba
23:00 Die Chucks
23.30 Social Focus
24.00 Sp. Guest aus Dänemark

Zebrahead haben einfach die besten Fans der Welt. Lemmy Kilmister zum Beispiel, der mit den Jungs aufgenommen hat und zum guten Freund geworden ist. Auch Hugh Hefner soll Anhänger der Kalifornier sein und gerne sein Okay für Plattentitel und -cover "Playmate Of The Year" gegeben haben. Halb Japan liegt Zebrahead zu Füßen, wenn dort die Stadien gefüllt werden. Und natürlich ist die restliche Gemeinde, ob prominent oder nicht, seit Langem treu. Noch immer wohnen sie im Orange County (ein paar Stichworte gefällig? Bad Religion, Social Distortion, The Adolescents, The Offspring, No Doubt, Ignite etc.) und lassen sich die Sonne auf den Pelz und in die Songs brennen. Im Grunde geht es für die Kalifornier immer noch um ein paar grundlegende Dinge: Spaß zu haben, den eigenen Lebensstil zu verherrlichen, sie selbst sein, auf politische Korrektheit zu scheißen und laute Musik zu machen. Demnächst erscheint ihr neues Album "Panty Raid", die konsequente Fortsetzung des Vorgängers "Phoenix".Ali Tabatabaee rappt sich um Hals und Atem, Matty Lewis singt ihm in die Parade, Greg Bergdorf bratzt mit seiner Gitarre obendrauf, und die Rhythmusgruppe um Ben Osmundson und Ed Udhus sorgt für eine solide Punk-Rock-Grundlage. Klar, grade, einfach und immer voll in die Mitte der Crowd: Das ist Zebrahead.

We’re beside ourselves with excitement to announce the return of twisted pop wonders Tunng. The London-based band are set to release their fourth album in March 2010, and it promises to be their best yet.

Since last we saw them, the band have been on adventures both personal (Mike went to India, Ashley moved to Somerset) and shared – such as their ten-day voyage of discovery with Malian desert bluesmen Tinariwen, a unique collaboration that aimed to fuse the sounds of the two bands together. An experience that helped shape Tunng‘s approach to the new album “We learned that you don’t always need structure! As long as there is presence, emotion and groove. It taught us that everything is open and adaptable...”

In the spirit of all that travel and experimentation, they’ve decided to call their new album …And Then We Saw Land – and it’s full of adventurous spirit. The first Tunng album to take more than a year to write and produce, it’s packed with big choruses and joyful tunes. “We wanted to make a record that would be a great live set,” says Mike. “My friend described it as ‘Epic Folk Disco Brass Magnificent,’ and I’m not sure you could call any other Tunng record that.”

Three songs contain what the band describe as The Mega Chorus – a 15-strong group of collaborators and drinking buddies who lent their voices to the album one rainy night in an abandoned school hall in Old Street.

As a sneak peak of the album is available in the form of a free download of the track Don’t Look Down Or Back, which is available from the Full Time Hobby website from the end of the week. Visit www.fulltimehobby.co.uk to grab yours.

In homage to voyages grand and not-so-grand, Tunng will be hitting the road for a four-date mini tour in March 2010, dates as follows. Says Mike: “I want audiences singing along and becoming... THE MEGA CHORUS!”
€ 14,00 / 17,00

NOAH AND THE WHALE: THE FIRST DAYS OF SPRING

“I do see the film and the album as being together, as a unified thing,” says Noah and the Whale’s chief songwriter and singer Charlie Fink about the band’s new record and accompanying film, The First Days of Spring. “But the album very much came first – it has its own internal narrative.”

As with their debut, last year’s Peaceful, The World Lays Me Down, the Londoners’ second release follows a structure. There are songs here – Blue Skies, Our Window, I Have Nothing, Slow Glass – that cry out for special attention, for love. But the journey the album takes you on, from the ominous drum tattoo and string swell on the opening title track right through to the strummed acoustic guitar, pedal-steel keening and massed voices that bring My Door is Always Open to its devastating close, is an experience quite unlike that offered by most music being made today.

Charlie began thinking of making an album that was also a film (and, as he sees it, vice versa) last year. The film, shot on a miniscule budget in a tight time-frame – a process one of the producers describes “as making a near feature-length film, for the budget of a short, in eight days” – and directed by Charlie himself, can be seen as a companion piece to the album, as a visual version of it, or as a piece of work in its own right. That decision is very much up to us, as the listener and viewer, says Charlie.

Formed in 2006, Noah and the Whale quickly gained a foothold on a London music scene variously described as anti-folk, nu-folk and folk-pop (a confusing multitude of pigeonholes) alongside like-minded souls such as Laura Marling and Emmy the Great. Both were part-time members of the band at various points, while Charlie Fink also produced Marling’s Mercury-nominated debut album, Alas I Cannot Swim. It was apparent immediately that something unorthodox and disturbing was going on in Noah and the Whale’s songs: that, beneath the surface appeal (bells, whistles, handclaps, ukuleles and singalong choruses), they were working with much darker materials. This tension, between instantly undislodgeable melodies and instrumental textures that encouraged a sunny disposition, and lyrics that looked unblinkingly at the ambiguities contained in love, in words, in life and in death, made the band’s debut album a critical and commercial success, charting in the Top 5 and being certified Gold within just four months. The band toured extensively, in the UK, in Europe and in the US, their superb live shows drawing much acclaim as the album, and earning the band a rabidly loyal fanbase in the process.

The end of a relationship last year prompted Charlie to revisit the themes of love, loss and mortality on Noah and the Whale’s first album and explore both his own feelings and the universal themes of decay and rebirth. At the album’s core is the extraordinary Love of an Orchestra, a song the band have performed many times before, but which emerges here in a strikingly reupholstered version. With the Exmoor Singers of London joining the band, and Charlie singing, “I know I’ll never be lonely / I’ve got songs in my blood”, the song represents the moment where the fog lifts, perspective returns, and the first inklings of optimism begin to suffuse the narrative. “I wanted it to be unnerving,” Charlie laughs. “I feel like it takes you out of the record; it’s a moment of madness. The first half of the album becomes increasingly pessimistic, and the second increasingly optimistic; and then the ending is ambiguous. I wanted Love of an Orchestra to be a bang. You know: this is where it changes.”

It certainly does that. In the film, we watch a succession of actors playing a male character – or possibly, a number of different characters – who struggles with intimacy, isolation, death and renewal. Visual links – a red Citroen; a lake; a forest – echo the musical cross-quotation that occurs on the album. Thus the album’s second track Our Window, which documents with searing candour and authenticity the bereavement that envelops the narrator in, first, the decline and then the aftermath of his relationship, anticipates the later Blue Skies, on which Charlie sings, “It’s time to leave those feelings behind.”

Before Love of an Orchestra, that resolve is absent. The title track marks the passing of winter with a brittle and never convincing confidence in the arrival of spring. “There is hope,” Charlie sings, “in every new seed / In every flower that grows upon the earth.” Musically, though, the tone is bereft, undermining all sense of hope. Glacial strings hover between the vocal phrases. A guitar plays a motif that belongs more in the decay of autumn than the blossoming of spring. One of the album’s great achievements is that it never flinches from the truth or opts for comfort, either lyrically or in its sonic architecture. On I Have Nothing, a mournful, strummed blues, the ghostly backing vocals lend a line such as “The flower that you’re keeping, without love, will wilt and die” astonishing power. When, towards the end of My Broken Heart, the song explodes in a squall of electric guitar, you sense not the dawning of clarity but the chaos of mental torment. The refrain, “You can’t break my broken heart”, seems a proud but empty boast, not defiant but utterly defeated. At this point, the album is mired in self-doubt and mourning. Love of an Orchestra is therefore, suggests Charlie, not just a natural midway point, but a vital moment, a release.

The First Days of Spring is identifiably the work of the band that made Peaceful, The World Lays Me Down. But it also a departure, a development of their debut album’s ambitions and textures. Nowhere more so than in Charlie’s use of the electric guitar, which here becomes a crucial component of the soundscape, cutting in to moments of almost pastoral quietude with scalpel-like incisions, and suggesting a battle between the search for peace and optimism and the surging anger born of loss. Jimi Hendrix famously played the guitar with his teeth. Charlie’s approach was at one remove but unorthodox nonetheless. “I held an electric toothbrush against the pick-ups,” he says. “It does sound as though I’m attacking the instrument – chaos, basically. I live with my brother Doug [Noah and the Whale’s drummer], and there was a period where he got really mad at me, because for about two weeks I was there just making white noise on this guitar, over and over again.”

You won’t find any white noise on The First Days of Spring. But the darker sonic depths hinted at on Peaceful, The World Lays Me Down are investigated on the new album with a thoroughness and fearlessness that will first surprise, and then ensnare, people whose knowledge of the band is based chiefly on their Top 10 hit, Five Years Time. It is worth remembering how that single, for all its upbeat, singalong breeziness, was, deep down, a song about anticipating the transitory nature of love. On My Broken Heart, Charlie’s first verse may give way to a mournful violin theme from Tom Hobden; but the subsequent break explodes in a joyous, affirming blast of trumpet and trombone. As the listener, you are thrown this way and that – between hopelessness and hope – as violently as the narrator. And as a result, you are pulled in to his journey. Charlie’s directorial debut achieves a similarly enveloping power; you experience the characters’ romantic and personal misfortunes and breakthroughs as if they were your own.

Neither the album nor the film provides clear or easy answers. “One thing I do want to create is that ambiguity,” explains Charlie, “so that people will talk about it, think about it afterwards. I don’t want to explain anything about the story, so people will have a chance to work out what it means to them, for themselves.”

The film will be paired with the album in a limited edition version, and shown to the public in cinemas across the country in the coming months. Throwaway pop this isn’t: The First Days of Spring, as an album, as a film, asks us to approach in a spirit of openness, to invest in its message of despair giving way to hope, of an end being followed by a beginning. “The album is exactly what I wanted it to be,” says Charlie. “Recording an album is like being a painter – you’re sat in front of a landscape, and the painting is the most important thing, you need to capture the landscape while the light is right. And when the light goes, you’ve got the essence of it there, but you’re free to take the painting wherever you want.”

Noah and the Whale took that painting into the recording studio, and out on location. The result is an album and film of huge emotional power, complexity and impact; and songs that will stay with you, perplex you, haunt you, long after My Door is Always Open’s closing bars have faded into silence. People insist the album is dead. The First Days of Spring begs to differ. To paraphrase the old monarchists’ cry: the album is dead, long live the album. And, of course, the film.

20:00 Barfuß Ägypten
20:30 Indictment
21:00 t'Rock'n'Dock
21:30 Melted Ego
22:00 Infection
22:30 Ass You Like It
23:00 tba
23.30 tba

20:00 tba
20:30 Axid Rain
21:00 Pflegeleicht
21:30 Nuaura
22:00 Desert Daemon
22:30 tba
23:00 ill dope
23.30 Wichita Falls